Joe Jackson hope and fury

 Joe Jackson est arrivé avec la New-Wave anglaise. L'homme de Portsmouth est un sacré bosseur depuis ses débuts(20 albums depuis 1979). Si vous en etiez restés à sa dernière escapade music-hall qu'était "What a racket" il y a trois ans il va falloir retourner dans les bacs car Joe est bel et bien de retour avec un bel album "Hope and Fury" qui nous a laissé pantois tant il regorge de bonnes choses. Mais il faut le dire Joe Jackson est un des grands musiciens de ce monde. 

Le voilà donc ce 22ème album de 2026. Dès la première écoute on sent que l'homme est revenu vers ce qu'il fait. Et ce qu'il fait ici il le fait très bien. L'album offre ainsi une véritable danse où s'entrechoquent les mélodies pop sophistiquées, les rythmes latins(ah ces percus !), le funk et bien-sûr le jazz qu'il a toujours mis dans ses chansons même quand elle tiraient sur le rock new-wave ou le punk. Celui qui a grandit à Portsmouth aime à dire de son style qu'il est un mélange de "Latin-jazz-funk-rock" et c'est ce qui se vérifie ici et tout au long de l'album. 

"Welcome to burning by Sea" ouvre l'album. Jackson pose les règles : ok pour le latin, les percus, et le jazz mais tout doit être nerveux et notamment avec le couple guitares percus. L'écriture des textes est toujours élégante. Jackson jette ici un regard critique sur l'Angleterre de 2026. On sent cette tension entre nostalgie et désillusion ou entre attachement et colère envers ce pays d'où il vient. Plusieurs compositions dressent des portraits sociaux fortement égratignés. Tout Joe Jackson est ici. 

Revenons à la musique. Hope and Fury vous rappelera certainement parfois son grand "Night and day" pour les harmonies, les rythmes urbains. Les arrangements sont remarquables notamment sur des titres comme "the face" ou "After all this time". Mais la musique touche le lumineux et l'étincelant avec "See you in September". 

Le seul dommage de ce disque est que l'on sent vraiment l'amertume ou la nostalgie qui empiète un peu trop sur l'émotion qui peuvent faire de cet album un brouillard grincheux. Mais on peut aussi y voir qu'après 45 ans de carrière Joe Jackson reste un observateur lucide sur son temps, indépendant dans sa parole et refuse toute complaisance. Joe Jackson est grand on vous l'avez dit déjà. 

Une combinaison en cuir noir une basse voici Suzy Quatro

 

Suzy Quatro est certainement une des grandes figures incontournables du rock dit "féminin" du siècle dernier. La bassiste, chanteuse, boss de son groupe  s'est imposée sur la scène rock internationale dans un monde où les femmes avaient une toute petite place. Elle fait partie de ces pionnères qui ont magnifiquement osées.  Plus d'une quinzaine d'albums et autant de singles gorgés de rock massif avec pour débuter en 1973 un tube incroyable "Can the can". 

50 ans de carrière nous regarde. C'est avec une tryptique bien rodée qu'elle a scellé son succès : une énergie brute, une image digne de Barbarella en combinaison en cuir noir et un sens inné pour des refrains qui vous laissent un souvenir impérissable. Tout était réuni pour vendre des millions d'albums mais aussi s'adonner à des expériences parallèlles avec une certaine réussite là aussi : cinéma, radio, théâtre. 

Le nouvel album de Suzy Quatro s'appelle donc "Freedom" et il porte bien son nom. La reine du rock féminin d'antan a 75 ans mais elle n'a rien perdu de sa forme qu'elle a toujours su conserver tout au long de sa carrière. Est-ce la maturité ? Peut-être ! Mais en tout cas Suzy a délégué cette fois l'écriture en grande partie à son fils L.R. Tuckey. Et c'est une bonne chose. Ce "Freedom" a le goût d'une profession de foi. Les guitares sont rugueuses, la basse est bien sûr bien présente et les refrains de véritables shots pour le live. 

Ca démarre fort avec le morceau-tire de l'album puis tout s'emballe avec une sacrée attitue punk parfois(Little Miss Lovely). Freedom se déverse et claque dans nos oreilles. Pour notre bonheur elle remet au goût du jour une version impeccable de "Going down" qui sera certainement en concert un point culminant avec un "Kick out of the jams" qu'elle reprend superbement ici avec l'aide d'Alice Cooper. 

Suzy Quatro ne cherche pas avec "Freedom" à réinventer la formule du rock'n roll mais présente la sienne, celle de 2026 qui la fait vibrer. C'est un album plein de sincérité, direct(enfin du son direct dans le rock sans que les guitares soient enfouies sous des tonnes de reverb ou délay). Indépendance, persévérance se mêlent ici avec une générosité incroyable. Suzy Quatro sera toujours cette indomptable artiste du rock et c'est très bien en ces temps incertains. 

1983 David Bowie sort l'album Let's Dance une petite révolution

Certains et certaines, parce que c'est après tout une histoire de générations, n'avaient de David Bowie dans les années 80 une image floutée. Certes nous avions découvert quelques années avant le tube "Ashes to ashes" sur l'album "Aladin Sane" en 1973. Mais l'époque Ziggy Stardust et celle du Thin White Duke était loin et appartenait à une autre tranche d'age. Nous avons été les témoins pour certains d'un avant "Let's dance" et d'un après. Un public fidèle et respectueux suivait Bowie. Les albums se vendaient très bien. Mais il n'était pas planétaire. Alors David Bowie a relancé sa locomotive. L'album "let's dance" est arrivé dans les bacs en 1983. Un grand changement et une sacrée révolution sonique ! 

Fini les sons alambiqués et les guitares tortueuses. Bowie cherche un son direct et totalement radiophonique. Il embauche ainsi Nile Rodgers comme guitariste et producteur. Nile Rodgers lui apporte un son, des tubes "Let's dance", "China girl" empruntée à Iggy Pop, "Modern love" et des faceb percutantes comme "Cat people". Les refrains sont immédiats, directs, faciles à retenir. Le tour est joué. De plus, le guitariste aux doigts d'or lui apporte une très bonne connaissance dans la distribution en radios et surtout sur une chaîne qui monte MTV. 

C'est donc un David Bowie en pantalon à pinces, cheveux blonds piscine que nous découvrons sur MTV avec "let's dance" qui passe en boucle ou encore pendant le Live Aid. La transformation est totale. L'album se vend à plusieurs millions d'exemplaires. Du statut d'artiste arty Bowie passe au statut de pop star. Pari gagné. 

 Beaucoup ont pensé que Bowie ici avait donné son âme. Bowie a choisi sur cet album à nouveau une autre voie. L'angle de vue doit être t'il changé ? Peut-être. Car l'artiste ici propose une version mixant pop, rock et funk typiquement années 80 sans perdre l'étrangeté chic dont il a fait preuve jusqu'à cet album. Les grooves des tubes sont quasi hypnotiques. 

Derrière les refrains polissés pour étudiants et étudiantes en plein flirt se cache toujours cette distance ironique comme s'il sourait au succès atteint et au pari réussi. C'est un peu cela David Bowie ! Toujours un nouveau tour à sa poche qui a fait mouche maintes fois. La pop star  se réinvente à chaque fois. Bowie a toujours été content du succès de "Let's dance" mais il a toujours trouvé un grand dommage que celui-ci est un peu effacé la prise de risque sur les albums précédents. Avec "Let's dance" Bowie est a peut-être atteint Mars et écrit le premier chapître d'une musique planétaire. 

Primiitive ring supergroupe psychedelique opus 1

Dans la catégorie "Supergroupe" on a eu droit à de beaux évènements depuis les premiers temps du rock : pour les 70's le trio légendaire Beck, Boggert, Appice, Cream, Blind Faith et puis les décennies 90s ont eu droit à Them Crocked Vultures(formé de Josh Homme et John Paul Jones) ou Audioslave qui réunissait Chris Cornwell et Tom Morello. On pourrait même y rajouter Page et Plant. Bref les supergroupes viennent chaque décennie frappé à la porte du rock. Le heavy néo-psychédélique étant à la mode c'est Primitive Ring qui s'y colle avec des membres pas si méconnus que cela si vous suivez cette scène très fournie en musiciens et productions. 

Le trio californien Primitive Ring débarque avec un premier album éponyme qui sent la sueur, les amplis chauffés à blanc et le rock joué sans filet. Formé autour de Bert Hoover, Charles Moothart et Jon Modaff — des musiciens déjà passés par des groupes comme Fuzz, Hooveriii ou Frankie and the Witch Fingers. Le groupe propose ici un disque direct, nerveux et profondément vivant.

Sorti chez In The Red Records, Primitive Ring mélange garage rock, psychédélisme et énergie punk dans un ensemble qui ne cherche jamais la perfection technique, mais plutôt l’impact immédiat. Les guitares rugissent, la section rythmique avance comme un train lancé à pleine vitesse, tandis que les voix gardent un côté spontané et presque sauvage.

L’album contient onze titres, ni plus ni moins, avec des morceaux comme Fire and Brimstone, Heads Will Roll ou encore Golden, qui illustrent bien l’identité du groupe : un rock brut, intense et collectif. On sent l’influence du garage psyché des années 70, mais aussi une envie moderne de faire vibrer le rock sans artifices et de tendance un peu heavy. .

Au-delà de l’énergie, Primitive Ring réussit surtout à transmettre une sensation rare aujourd’hui : celle d’un groupe qui joue ensemble avant tout pour le plaisir du bruit, du partage et de la tension électrique. Un premier album prometteur, taillé pour les amateurs de rock organique et de concerts trop forts pour être raisonnables

la dopamine Status Quo avec Hello en 1973

 

Status Quo est un fabricant de bonheur, une véritable dopamine. Il suffît de se pencher sur leur album de 1973 "Hello". Ce disque est celui où le groupe trouve pleinement sa formule : un boogie rock brut, répétitif mais terriblement efficace(changer de style n'est pas nécessairement une bonne affaire dans le rock).

Dès les premières notes de "Caroline" le ton est donné. Status Quo ne cherche pas la sophistification mais l'impact. Et ça fonctionne ! L'album enchaine les morceaux pour notre plus grand plaisir. 

"Roll over lay down" s'impose comme une pierre angulaire du répertoire. Ca monte progressivement, c'est groové, c'est simple au premier abord mais surtout très fort. Bien-sûr il y a d'autres chansons sur cet album et elles sont variées et toutes aussi agréables sans jamais trahir leur style. 

Ce que l'on retient de ce "Hello" ce sont ces engrenages parfaitement graissés qui impriment le truc, la chose de ce boogie endiablé qui fait mouche à chaque fois. Telle une machine les guitares de Rossi et Parfitt se calent merveilleusement sur la basse de Lancaster et la batterie. Ca avance en regardant toujours devant. La route est tracée pour le groupe dont le tourneur français sera plus tard  l'ami Jacky du Club Dorothée, véridique ! 

Disque d'efficacité et non d'expérimentation "Hello!" est tout simplement un classique tel que le rock britannique en délivrait dans les 70's. Complexe ? Non. Efficace ? Un grand oui et surtout rempli de cette énergie brute et d'une forte identité qui fait qu'aujourd'hui encore le groupe est sur la route et délivre encore des albums studios. Ca roule ! 

Theblackkeyspeachesalbum

The Black Keys reviennent à quelque chose de beaucoup plus brut, presque instinctif avec ce Peaches. Ce quatorzième album, sorti le 1er mai 2026, n’est pas un disque classique : c’est un album de reprises, conçu comme un retour aux racines blues et rock du duo. 

Dès les premières secondes, le ton est donné : ici, pas de production léchée ni de refrains calibrés pour les radios. Le son est rugueux, organique, parfois sale comme on le produit maintenant, comme capté sur le vif. Ce choix n’est pas anodin : le disque est né dans une période personnelle difficile pour Dan Auerbach, ce qui se ressent dans l’énergie presque cathartique des morceaux.

Le duo revisite une série de titres obscurs ou cultes du blues et du blues-rock, avec une approche minimaliste : guitare, batterie, et cette tension permanente entre groove et saturation. Le single “You Got to Lose” est l'exemple type de ce que l'on trouve sur l'album — un morceau qui semble plus joué que produit, plus vécu que construit. La musique c'est quand même cela au départ avant de poser sur chaque piste des chaînes de plugins. 

Là où leurs albums récents pouvaient sembler parfois trop polis(le son de l'indé a toujours cette odeur du col roulé bien plié comme il faut), Peaches! agit comme une récréation thérapeuthique. On y retrouve l’esprit de leurs débuts, période The Big Come Up, avec cette sensation de jam session capturée à chaud. Certains titres flirtent avec l’improvisation, donnant au disque une bonne cohérence émotionnelle au final. 

Peaches  n’est pas un album spectaculaire ni innovant et il ne sera pas un disque référence du blues-rock. Mais avons-nous besoin de références après tout !  Peaches! est un disque de passionnés, presque un hommage à leurs influences, où chaque morceau respire l’amour du vinyle, des vieux standards et du son analogique même si on préférera la version de Doctor feelgood pour "She does it right". Il faut reconnaître aux Black Keys un talent totalement décomplexé des vieux shémas. 

Au final, Peaches! n’est pas là pour conquérir de nouveaux sommets commerciaux . Il est là pour rappeler pourquoi The Black Keys existent encore : jouer, ressentir, et revenir à l’essence même du rock. Un album imparfait, parfois brut de décoffrage, mais profondément sincère.

Les Bordelais de CharbOn au pingouin alternatif

 

L'horaire n'était pas d'une grande évidence (18h30) mais le bar « Le Pingouin Alternatif » a réussi à nouveau un joli petit tour de force en tordant le cou à une certaine fatalité événementielle  avec le groupe bordelais de blues-rock Charb-on. Une soirée qui a enchanté les amateurs du style mais pas seulement tant le groupe propose une palette variée dans leur style blues-rock  avec un sacré chant, des guitares au son massif et une batterie marteau-pilon. Tout était réuni pour faire vibrer les murs du Pingouin Alternatif dimanche soir.

Lh'istoire de ce power-trio commence dans les années du confinement sous un autre nom avec notamment la formation Leon Newars(anagramme de New-Orléans) et un grand album malheureusement boudé 'Unboxable ». Vincent Pollet-Villard, Vinz chanteur des Charb-on ne lachera rien. Après les Backscratchers il embarque avec lui son acolyte gutar-hero Florian Royo(Flo). Ils seront rejoint par Alain Baudry à la batterie.

Ils prennent le nom de Charb-On prononcé Charbon. Vinz explique ce choix en appuyant sur trois axes : le premier étant que si le blues était né en Europe il serait issu des pays d'extraction du charbon et de cette vie dure. Il y a aussi l'incandescence du minerai qui transformé devient explosif qui est en équation totale avec la musique du groupe. L'expression « aller au charbon » qui colle parfaitement avec l'engagement du groupe depuis 2023..

Nouvelle-orléans, Vinz y a vécu et a trainé ses bottes dans les salles mythiques de la ville.. Alain leur batteur y vit encore. Austin n'est pas loin et ce sera le théâtre de leur dernier enregistrement sous la houlette du guitariste et producteur des Black Pumas : Adrian Quesada. Une totale réussite.

Le live 

En live, et comme ce soir-là au Pingouin Alfternatif Charb-on a mis tout le monde d'accord très vite. Dès les premiers accords on comprend rapidement que nous allons effectuer un voyage entre sueur, rock'n roll et les terres des 12 mesures du blues si chères à eux et aussi à nous. . Charb-on n'a pas de bassiste. Mais sa musique n'en a nul besoin tant les guitares de Florian et de Vinz sont gonflées à bloc pour assurer la manœuvre. Cela offre même des bonnes sonorités « garage » à leur blues-rock bourré de sueur, furieux et rempli d'électricité.

Sacrémment bien épaulés par un très bon batteur comme dernière recrue  Florian(guitares) et Vinz(chant) fonctionnent comme une machine hyper bien huilée. Le groupe s'offre au public en articulant très bien de très bonnes intros, des montées en riffs et des descentes vitigineuses remplies de solos endiablés et des breaks scéniques vraiment captivants ou tout peut se passer. Le blues-rock respire ainsi et imprègne tout le petit bar et le public.  

Les bordelais ne laissent pas leur set s'endormir et nous avons droit à des compositions captivantes, organiques sorties des chemins mille fois battus du style. La formation sait très bien articuler en live plusieurs dispositions et des apports efficaces à leurs chansons. Ainsi tantôt Vinz passe en mode harmonica sur une reprise de Slim Harpo, dans la foule avec sa Gibson, ou encore en mode Moog offrant une superbe version de « Train » dont tout le public se rappellera sans aucun doute. Sans perdre l'électricité le groupe finit ce set en fusion et laisse un public repus et ravi. Dernier rappel proposant une composition à nouveau particulière et bien menée. Une soirée comme on les aime ! Merci les gars !

Civic chrome dipped

 

Cela fait bien longtemps que les terres australes sont l'autre pays du fromage. Le punk y est bien représenté. Civic est un combo de Melbourne. Il officie depuis quelques années avec des albums qui ont la particularité de montrer un style énervé et en évolution permanente. Les albums de la bande à la Jim Mc Culloch nous portent toujours  dans un voyage initiatique dans le rock. Ce dernier opus suit la même logique. Sur ce « Chrome Dipped » le proto-punk si cher aux nombreux fans du groupe se dissout tout en restant un peu présent.. Civic a réussi le pari de balancer entre deux styles.

Malgré cette petite révolution, Civic danse toujours sur les braises rageuses du old-punk rock qu'il sait si bien réaliser. Les « The Hoog Tricky Pony » en sont la preuve flagrante. Là où le groupe se révèle est sans doute dans la diversité de styles et de chansons qu'il peut offrir sur cet opus. Révolutionner sans se trahir, Civic manie cet adage à merveille. 

Le groupe a mis en place de multiples procédures pour arriver à son objectif : Changement de batteur pour un monsieur qui cogne moins  comme un marton pilon mais caresse plus, un chant plus adapté à la douceur de certaines chansons. Et pour tout dire la production est beaucoup plus classieuse. Comme quoi être moins rude dans le domaine du traitement du son  amène vraiment un petit plus. Toutes les chansons de ce «Chrome dipped » possèdent maintenant une touche émotionnelle et voire sentimentale qui rendent même les balades encore plus prenantes("Poison"). 

Avec toutes ces qualités, les australiens de Civic abordent 2025 sous les meilleurs auspices. Il est temps de découvrir ce nouvel opus grandiose et ce groupe qui a fait et fait toujours du bon travail. 

Vous reprendrez bien un jack et son album no name

 

   

En 2024 Jack White s'est octroyé un retour qui n'est pas des moindres en 2024.  « No name » est sacrément huilé dans le rock le plus authentique  et après tout c'est le sien voire même celui des White Strypes défunts. Et si « no name » était tout simplement le pavé lancé avec fougue   dont avait besoin le rock pour faire à nouveau un beau sursaut...  

Le monsieur n'a jamais fait les choses normalement. Et c'est à nouveau tel un serpent qu'il a proposé sous format vynil blanc dans ses boutiques de Third Man Records de Londres ou Nashville ce nouvel opus à quelques privilégiés. La suite on la connaît « No name » est devenu bleu et a été largement commercialisé.

Nous sommes donc ici devant la dernière pièce dans la bonne discographie en solo du Jack et le contenu est  franchement orienté dans un retour aux racines du guitariste et de ce qui a fait son allure (The Do, White Strypes). Le blues de Détroit le plus sale croise le rock le plus sauvage. Car sur « No Name » Jack remet les pendules à l'heure et recentre ses styles en un : rock, blues et punk à la manière de « on branche on joue ». 

En 13 titres le guitariste de Nashville sans ringardisme, ni passéisme montre qu'il incarne à nouveau ce jeune guitariste vêtu de rouge et blanc qui assénait un « ball and biscuit » bien dégoulinant d'animalité rock et créait le dernier riff du rock classique (vous savez la septième armée de la nation). Ici pas de mélodies alambiquées, aux fioritures, aux arrangements avec la bouche en cul de poule Non ici on y va et on y va jusqu'au fond.

Dès que le diamant est descendu sur la première plage le ton est donné. L'électro-choc est puissant. Il perdure sans baisse d'intensité jusqu'à la dernière chanson. Le son est dantesque, époustouflant, d'une rare énergie.. Et qu'il chante ou qu'il joue Jack s'en fout. Il éructe, il rage, il crache le feu du rock, le souffle du blues avec une sacrée férocité punk/ (« Bombing out »). 

 Rien ne se perd, ni se créé tout se transforme déclarait Lavoisier. L'adage semble être devenu le cortex du rock. 

Mémoires de Concerts- Cèu de Pyrène – Ceux qui font chanter te saluent Le Livre de Franck Urban Maison des Légendes

 

Quel est le point commun entre Iggy Pop, Ac/dc, Bill Wyman des Stones, Iron Maiden, James Brown, Johnny Clegg ou encore Frank Zappa? Même si ces artistes ne doivent pas se rappeler de la chose, ils  se sont tous arrêtés à Pau, Lourdes, Tarbes  ou dans sa région proche comme Orthez pour (Bill Wyman) et surtout ils se retrouvent sur le travail d'écriture qu'a mené  notre confrère du blog la maison des légendes, Franck qui s'est attelé à livrer en toute indépendance d'édition, 2 tomes + 1 catalogue photos « Mémoires de Concerts- Cèu de Pyrène – Ceux qui font chanter te saluent ». L'ouvrage se dédie aux   évènements musicaux   au pied des pyrénées avec des souvenirs photos et tout plein d'autres choses  dans notre région. Allez on plonge dans le dossier. 

Les projets d'écriture partent souvent de rencontres, d'anecdotes. Trois ont été déterminantes pour Franck afin de se lancer dans ce travail pharaonique...

                   https://lamaisondeslegendes.fr/le-livre/ceux-qui-font-chanter

https://lamaisondeslegendes.fr/le-livre/ceux-qui-font-chanter/titre-explications

La première est en lisant le livre «AC/DC – Tours de France 1976-2014 » . Ce travail d'archivage et la livraison de ce pavé bourré d'informations fascine notre auteur. Puis il y a les rencontres....

Avec Pierre Hamelin, grand spécialiste de Frank Zappa au magasin Jet Records à Pau en 2019. Découverte d'un Frank Zappa palois un soir ! La troisième rencontre scellera une plongée dans le projet d'écriture avec une entrevue avec Jacques Gasser réalisateur d'un dvd « Mémoires de Blues de Jacques Morgantini – Jazz Hot Club de Pau Production ».  l'odysée Pau – Chicago à partir de 1946 et le Jazz Hot Club de Pau. Le travail commence. 

Franck s'est attelé pendant 4 ans à écrire, noter, enquêter, récolter, enregistrer, mener des rencontres, faire ouvrir les archives des associations pour nous faire revivre ces années prépondérantes qui ont fait ce qui nous entoure aujourd'hui musicalement. Frank n'a pas lésigné sur les documents dans son œuvre en trois volumes sur la musique faîte au pied de nos Pyrénées en offrant beaucoup d'archives photos. 

Tout y est passé en revue. Tous les styles de musique s'y retrouvent des années 60 aux années 90 et plus. . Votre regard croisera avec une certaine nostalgie en criant « Mais oui j'y étais ! » ainsi 300 tickets de concerts, des interviews de groupes, d'acteurs associatifs, des articles, des reportages, une trentaine d'interviews.

Mais si l'auteur nous fait revivre ce Pau ou Orthez musicalement très riches, il fait aussi ressurgir de notre passé l'ascencion de la logistique professionnelle et non-professionnelle que nous connaissons aujourd'hui et dont nous bénéficions tous en mettant à l'honneur ceux qui ont créé là où il y avait un désert (Luthiers, labels, disquaires, techniciens, tenanciers de pub, organisateurs de concerts, musicothérapeuthe, responsable Sacem, etc...) sans oublier les mouvements de passionnés  sans qui rien n'aurait été possible. 

Franck a eu la gentillesse de nous inviter à une conférence qui avait lieu le vendredi 8 mars à la MJC du Lau. Nous vous recommandons de vivre cette expérience pendant laquelle vous comprendrez le fantastique travail d'archivage qu'il a mené. Ainsi vous pourrez feuilleter   (et même commander) ces 2 tomes + le catalogue photos qui nous racontent tous quelque chose de nous-mêmes, à chacun. Un auteur et une oeuvre tournés vers le futur avec en point de mire l'inter-générationnel et le partage de ressources. Un grand bravo ! 

NO JAZZ QUARTET you're gonna leave the building soon chez Closer Records

La scène phocéenne est toujours en ébullition. Et ce n'est pas Paul Milhaud alias « Sonic Polo » qui va nous contredire. Membre du groupe NO JAZZ QUARTET, revient avec un nouvel album made in Marseille high energy « You're gonna leave the building soon » paru chez Closer Records.

Même si ses membres se connaissaient déjà depuis 2018, le NO JAZZ QUARTET est apparu en 2019 dans le paysage musical phocéen peu avant la déclaration de la pandémie, période fatale pour nombre de formations. Mais cet espace temporel fut, en revanche, propice au groupe et renforca sa détermination pour aller de l'avant.

Un peu comme une « All-Stars », le groupe comprend en son sein d'éminents membres issus de diverses formations cultes, responsables d'albums mémorables, qui ont roulé leur bosse (studios, scènes, tournées en France, hors de l'Hexagone, sur plusieurs continents)...

« You're gonna leave the buiding soon », premier album du groupe, joue la carte d'un rock sombre et étincelant, moteur de styles dans lesquels viennent s'imbriquer dans la musique de NJQ et ne former qu'un tout (influences scène de N.Y.C, Washington D.C et Noise actuelle).

Le groupe s'appuie ici sur une formule très efficace faîte de deux chanteurs hurleurs, Paul Mihaud (ex de Holy Curse de Paris et du Keith Richards Overdose de Marseille) et James McClellan et de deux guitares lead. Ce choix qui est une certaine essence du groupe colle magnifiquement aux compositions. Le rock de NJQ est bruitiste, lourd, acéré, riffé. Il raconte quelque chose. Derrière, pour épauler ses messieurs, la rythmique est implaccable, métronomique, voire hypnotique avec Manu aux fûts qui eut également sévi chez Elektrolux et Shiloh et Pierre à la basse, issu du conservatoire et ayant joué auparavant dans diverses formations Jazz avant d'en venir au rock.

Le rock de No Jazz Quartet est un rock cannibale, qui vous dévore, vient vous chercher dans vos derniers retranchements. Le voyage est tentaculaire, sinueux dès le premier instant. Le groupe sait à merveille coller des ambiances étouffantes avec des guitares mugissantes, étoffées, profondes (« The lost train ») et les justapose de sa superbe dans des parties endiablées (« Thermodynamic love »). Si les guitares sont à la fête, la batterie n'est pas en reste s'offrant des breaks annonçant la dynamique (« flower on the wall ») ou créant la base implaccable sur laquelle le groupe place textes et mélodies remplies de mélancolie furieuse (« Dark wind »).

No Jazz Quartet écrit ici un beau roman noir qui se met en place progressivement au fil des chansons qui nous traversent avec des changements et des thèmes très variés. Les deux voix font un travail de titan comme sur le doorsien « Last man on earth » et le presque cramspien « I saw the bird ».. Le voyage dure sans perdre en intensité et en se posant (« good riddance »), laissant une batterie soutenir le chant de superbe manière. Le combo offre un bel album, avec un son très travaillé, creusé, ciselé dans les moindres crêtes...

Grand bravo au Local 54 (Marseille) et à Jearc pour les phases d'enregistrement et de post-prod et à Philippe Gilard qui s'est attelé à la masterisation (Périgueux)... Dernière cerise sur le gâteau, une chanson aux textes en français ("Le cadavre et le sel") qui clôt cet opus magnifique de rock puissant qu'est ce « You're gonna leave the building soon ». Un disque rock et massif orné d'un superbe écrin au design magnifique !